Joder, cuánto tiempo sin publicar, ando con cursos, curro y otros lios y no me paro a escribir. A ver si me centro ya.

Saludos.

Pues bien, a la espera de los subtítulos para la película protagonizada por Mr. Langella, puedo decir que tanto Gosling como Del Toro merecían no ya estar nominados, si no un oscar en propiedad para cada uno.

La película de Gosling es Lars and the real girl, que al menos estaba nominada al mejor guión original, guión del que podía tomar notas Diablo Cody.

Es inexplicable que Lars and the real girl no tuviera algunas nominaciones más, aunque si es para negarle un premio merecido como en guión mejor no mezclarle más con esa cosa tan falsa que son los oscars.

La película cuenta la historia de Lars (Gosling), un chico de 27 años que vive en lo que era el garaje de la casa que su hermano (divertidísimo Paul Schneider) y él heredaron. En la casa vive su hermano y la mujer de este (Emily Mortimer, maravillosa), que aprecia a Lars y se preocupa porque se relacione más con ellos en particular y con el mundo en general, y es que Lars es tímido hasta la exageración y no se relaciona con nadie más de lo necesario, menos aún con las mujeres.

Una noche Lars llega a la casa principal y le dice a su hermano y su cuñada que tiene visita, una chica llamada Bianca. Claro, los dos lo flipan en colores y la cuñada (embarazada, detalle importante) da saltos de alegría cuando Lars pregunta si la chica puede dormir en la casa para no tener que compartir el garaje con él.

Bianca resulta ser una muñeca a tamaño natural con la que Lars se relaciona como si fuera real. Todos vencen la incredulidad inicial y le siguen la corriente a Lars por indicación de la doctora (Patricia Clarkson, tan bien como acostumbra) que se ocupa del caso.

Es una historia tan extraña como emotiva, de esas que piden confianza al espectador, que ayude un poquito con su nivel de implicación y se crea lo que no le convenza  porque lo disfrutará. Es una de esas película que acabas de ver con una sonrisa, con un buen rollo en el cuerpo que no es normal y con menos fe en la academia de Hollywood de la que podías tener antes de verla.

Ojito con Gosling, lleva toda la vida delante de las cámaras (compartía programa Disney con Christina Aguilera, Britney Spears y Justin Timberlake, su amigo del alma), ídolo de jovencitas primero como un Hércules juvenil para TV y después con la peli de culto para románticos The Notebook (aquí El diario de Noa) pasó de seguir esa senda para llamar la atención como un skin-head judío en la reivindicable The believer; luego llegó la nominación como actor principal por Half Nelson, en la que era un profesor drogadicto que tiene una relación de mutuo apoyo con una niña alumna suya, o su interesante ambicioso y joven fiscal de Fracture, cara a cara con Sir Anthony Hopkins.

Lo último que supe es que abandonó el rodaje de la última de Peter Jackson por diferencias creativas con el neozelandés, si bien el mismo Gosling dijo oficialmente que se iba de buen rollo y que Jackson es un gran director y que todo mola mucho por lo que parece que además de buena actor es un chico listo. Lo dicho, ojito.

Si es preocupante que se haya ninguneado a Gosling lo de Benicio del Toro es sangrante. Su trabajo en Things we lost in the fire  es tan sublime, tan humano, tan acojonante que cualquier papel parecido que se interprete a partir de ahora será un intento de imitación.

Things we lost in the fire es, además, una película de las que se suelen nominar, una historia de superación, de sentimientos a flor de piel, con un aire independiente y un mimo en la imagen que suelen ser garantías de premio, pero supongo que la productora apostó por otra de sus películas y ya sabemos que todo se resume a lo que se quiere promocionar, lo demás no existe.

Una joven pareja completamente feliz (Hale Berry y David Duchovny) con hijo e hija pequeños tiene un frecuente de tema discusión: Jerry (Del Toro), un íntimo amigo del marido heroinómano con el que nunca ha perdido el contacto, manteniendo la relación por encima de la adicción y las desconfianzas de la esposa.

La mujer pierde a su marido y siente que debe ayudar a Jerry, en cierta manera continuar con la labor de su marido. Esta relación entre la viuda y el heroinómano al que había llegado a odiar es el motor de la historia.

El trabajo de Halle Berry está bien pero su principal problema es que ya lo vimos en Monsters ball, otra evidencia más de cómo funciona esto de los premios, premiándole por aquella y pasando de ella por esta.

El que se sale por los cuatro costados es el amigo Benicio, que a estas alturas anda sobrado de recursos y nos presenta a un drogadicto real, cercano, una persona que se adivina tan especial que uno no puede dejar de desear que salga del pozo. Es ese el principal mérito de su interpretación, que mucho más allá de retratar un “yonki perfecto” (jamás se ha visto un colocado tan bien colocado y pasándolas putas con el mono tan de verdad como en esta película) nos deja ver quién está tras la máscara de la droga.

Algunos recordarán a este actorazo como el jardinero con el que la mujer de Bardem le pone los tariles en Huevos de oro, por entonces era un desconocido. Fue uno de los villanos más jóvenes de la saga Bond en Licencia para matar, uno de los sospechosos habituales de Brian Singer, ganó un oscar por su policía mexicano en Traffic (ese momento de primer plano en el coche vale varias entradas) y debió ganarlo por su desgarrados trabajo en 21 gramos. Hay que seguirle porque está en ese momento en el que un actor lo hace todo bien, incluso ese hombre lobo que nos llegará dentro de poco.

Jon Stewart, maestro de ceremonias por segunda vez, tuvo muy poco protagonismo tras el monólogo de apertura típico con bromas sobre los presentes en la sala y alguna referencia obligada a las elecciones y la situación en Irak (sí, la guerra sigue, no es algo que pasó). Se fue tanto de tiempo la ceremonia que tras el último premio se limito a despedirse sin rodeos.

El reparto de premios realmente no me sorprendió porque yo, lejos de lo que muchos pensaban, no tenía claro quién triunfaría, por lo que no me he llevado sorpresas mayúsculas.

Me alegro mucho del pleno de El ultimátum de Bourne porque es una muestra de cómo hacer cine de acción acojonante, espectacular y vertiginoso sin que el espectador pueda desconectar la neurona (algo así como la primera temporada de Prison Break pero mejor). Sonido, Efectos de sonido y Montaje para este cierre de lujo a una trilogía de culto. Espero que no se tarde mucho en reconocer una película así con premios mayores, que una gran película lo es por encima de géneros. Cuánto mal han hecho Seagal o Van Damme.

Ciertamente tenía dudas sobre el mejor largo de animación, me esperaba tanto a Ratatouille  como a Persépolis, las dos perfectamente válidas para competir como mejor película a secas, no en vano en principio se pensaba que Persépolis sería nominada como mejor película de habla no inglesa.

Pese a las dudas estoy de acuerdo con que se lo llevara Ratatouille porque me parece una obra maestra maravillosa, mi reconciliación con Pixar después de Cars, la primera de sus películas que no fui capaz de terminar. A ver si con esto me animo de una vez  a ver el primer largo de Brad Bird, El gigante de hierro, aún en animacón tradicional y según he escuchado realmente interesante. En fin, una más en la cola de espera.

De las cinco nominadas a Mejor actriz de reparto he visto el trabajo de tres: Ruby Dee por American Gangster, Amy Ryan por Gone baby Gone y Tilda Swinton por Michael Clayton. Tengo I’m not there y Atonement, pero no me interesa Bob Dylan ni los melodramas británicos de quality, así que no he visto a Cate Blanchett ni a la niña nominada por Atonement cuyo nombre siento no recordar en este momento.

De las tres que vi ganó mi favorita, Tilda Swinton, que realiza un trabajo de contención apabullante y al fin se lleva un reconocimiento después de varios trabajos destacables.

Lo de Mejor actor de reparto estaba más que cantado pese a rumores de última hora sobre Seymour Hoffman o Hal Hoolbrock, supongo que para animar los debates. Es extraño porque me alegro enormemente por Bardem, uno de mis actores de cabecera, pero pasa lo habitual, que en 2001 realmente estaba perfecto en Before  night falls y le negaron vergonzosamente el oscar para dárselo a Rusell Crowe por Gladiador, precisamente para compensar no habérselo concedido el año anterior cuando sí se lo merecía por El dilema. Con Bardem ha pasado lo mismo, que se lo ha llevado cuando lo merecía menos, aunque no por ello deja de merecerlo porque está muy bien en No country for old men, si bien es un papel que para él no creo sea muy complicado.

Yo se lo habría dado a Seymour Hoffman por bordar un papel tan poco dado al lucimiento como el que tiene en Charlie Wilson’s War, aunque puestos a nominarle podrían haberlo hecho por Before the devil know you’re dead, aunque no sé si entraba en el plazo establecido para estar nominada.

Sobre el Guión adaptado no me pronuncio porque no he leído las novelas en las que se han basado los nominados, así que no sé si son buenas adaptaciones. Según los que han leído el libro de Cormac McCarthy, No country for old men es absolutamente fiel, así que supongo que está bien dado el premio.

Lo del Guión original para Juno era otra de las cosas seguras de la noche y no creo que sorprendiera a nadie. Ya dije en su día que me parece buen guión pero que actores y directores lo sacaron adelante porque está escrito de forma que una realización o unas interpretaciones  normales habrían evidenciado sus errores. En resumen, el equipo de la película podría hacer una buena película con un guión peor pero ese guión no parecería tan bueno con un equipo peor. Diablo Cody es el nuevo fenómeno  en el mundo del guión, seguramente hasta la próxima lección de Charlie Kauffman.

Me alegró especialmente el reconocimiento a la impresionante actuación de Marion Cotillard convirtiéndose literalmente en Edith  Piaf hasta niveles estremecedores. Luego la veías en la alfombra roja y alucinabas, que  ya mademoiselle Cotillard es alucinante de por sí.

Tampoco me habría importado que hubieran ganado Ellen Page o Julie Christie, pero la primera tiene 16 años y ganará más de uno y la segunda ya tiene uno (¡hace 43 años!, uno flipa viendo lo preciosa que esta en esta Away from her). No he visto el trabajo de la Blanchet porque no me interesa ver como falsean la historia de Elizabeth y España y tampoco he visto a Laura Linney porque The savages se me he resistido y no he podido conseguirla a tiempo.

Que Daniel Day Lewis es el actor perfecto ya lo he dicho varias veces, por lo tanto no tengo más que decir, solamente que dos oscars me saben a poco. Y qué mono estaba con un aro en cada oreja.

A mi pesar estaba cantado que los Coen se llevarían los oscars a Mejor dirección y Mejor película. Igual que comentaba respecto a otros premios aquí también se ha reconocido a unos que lo merecían precisamente cuando no es del todo justo, igual que pasó el año pasado con Scorsese.

No country for old men no es una película redonda, ni siquiera creo que sea una gran película. A los Coen hay que pedirles más para darles un premio y además este año ha ganado sobre películas mejores. Tanto Juno como There will be blood me parecen mejores, pero que no extrañe, los oscars son lo que son.

Pulsa para ver

También he visto varias de las candidatas a otros oscars y me queda alguna que otra que ver con mayor (Lars and the real girl) o menor (Sweeney Todd) apetito.

De las que pueden ser proclamadas la mejor estoy aún en lucha porque no sé realmente si me gusta más Juno o There Will be blood. En el fondo creo que acabará imponiéndose la segunda e incluso aumentará su ventaja con el recuerdo porque es de esas películas tan grandes que recién vistas no sabes qué pensar y van creciendo con el paso del tiempo.

Sobre Juno ya escribí hace poco, así que si bajas un poco puedes verlo. Días después pienso lo mismo sobre su guionista y me encantaría que Ellen Page se llevara el oscar a la actriz principal (aunque me queda ver el trabajo de Julie Christie en Away  from her  y de Marion Cotillard en La vie en rose. La primera es una enferma de alzheimer y la segunda encarna a Edith Piaf…muy apetitoso para la academia).

Si mi apuesta por el premio a la protagonista de Juno es, como digo, por ahora la de actor protagonista es por siempre.

Ya hace un tiempo dediqué un artículo al que para mi gusto es posiblemente el actor perfecto, Daniel Day Lewis. Sus detractores le acusan de ser demasiado intenso y confundirse a menudo con sus personajes, lo que le ha llevado en más de ocasión a tener problemas en los rodajes. A ellos les recomiendo que no le vean en There will be blood porque se van a hartar de intensidad, no en vano las pocas malas críticas sobre la película que he podido encontrar se refieren al último tramo, en el que acusan a Day Lewis de sobreactuar.

Doy por hecho que será el segundo oscar de Day Lewis en su cuarta nominación; es más, las otras dos en las que se fue de vacío creo que también merecía premio.

No country for old men, la de los Coen, es una de esas de “si, bueno, está bien”, y realmente no se puede decir que no sea una buena película porque sus elementos por separado funcionan sin problemas: los Coen dirigen perfectamente, se tienen bien aprendido el oficio y a estas alturas no tienen que demostrar que saben hacerlo; la historia es interesante y según los que han leído la novela de Cormac McCarthy en la que se basa es una ejemplar adaptación; la fotografía no tiene nada que ver con las secuencias majestuosas que salpican la filmografía de los hermanos pero realmente casa con lo que se cuenta y no se le puede poner ni un pero; todos los actores interpretan sus personajes con solvencia sin pretender pasar por encima de su rol…en fin, que todas las piezas encajan pero es como si entre ellas quedaran pequeños espacios de separación y por eso el puzzle no da sensación de estar correctamente montado; si lo ves de lejos puede dar el pego, pero si te fijas un poco más ves que no funciona del todo.

Parece cantado que Bardem, esta vez sí, se lleva el muñequito a casa según la trayectoria apabullante de premios que lleva. La que hace unos meses prometía ser una lucha con Casey Affleck (The assasination of Jesse James by the coward Robert Ford, otra que me falta por ver) se ha quedado en una llegada casi en solitario, a no ser que los veteranos de la academia le den un empujoncito inesperado a su colega Hal Holbrock, que es un actor muy querido por esas tierras pero sin el suficiente peso como para darle un oscar honorífico. Por mi parte el bueno de Hal hacen un buen trabajo en Into the wild, pero no hace nada que no pueda hacer a estas alturas con los ojos cerrados y además no es nada que se deba destacar. Quién sabe si no le han nominado para compensar el vergonzoso olvido de Emile Hirsch como protagonista.

Michael Clayton me ha sorprendido gratamente, esperaba una película con el único objetivo de dar cancha a George Clooney y me he encontrado algo que podría estar dirigido a cuatro manos por Sydney Pollack (se entiende perfectamente su aparición como actor) y Michael Mann. Habrá que seguir a Gilroy, guionista de esas maravillas de Bourne que debuta como director con esta sorpresa.

Una cosa no quita la otra, y es que la película es buena pero Clooney sobra como candidato a mejor actor principal (su lugar debería ser para Hirsch) porque está bien y ya está, que además no se le puede pedir más en ese papel a ningún actor. Tampoco creo que Tom Wilkinson esté para un premio pero es un personaje de esos que nacen para al menos estar nominados.

Por el brutal trabajo en There Will be blood y porque parece mentira que no tenga ya al menos uno creo que el premio a la mejor dirección debería ser para Paul Thomas Anderson, pero me temo que no va a ser así y que se lo va a llevar Schnabel por La scaphandre et le papillon.

Hablaré de esa y de las demás películas que he visto y de las que me quedan por ver próximamente.

No me gustaba el tono de la directora en las entrevistas porque creo ver en ellas (teniendo en cuenta que hay que fiarse bien poco de las entrevistas que uno lee) algo que aborrezco, y ya he escrito sobre ello alguna vez, que es la pedantería y la prepotencia sea intelectual o de la clase que sea. Esa suficiencia del que se cree lo más y que lo sabe todo, del que se “rebaja” para contestar a los demás con una condescendencia que normalmente evidencia su propia inmadurez. Uno se encuentra gente así en muchos sitios, si bien desde que entré en el mundillo del blog padezco más crudamente la avalancha de los pedantes ignorantes.

Claro, igual que digo todo lo de arriba reconozco que puede ser una sensación totalmente gilipollesca y que no tengo una base razonable para mi prejuicio respecto a esta señorita. Reconociendo eso pero con esa predisposición decidí ver la película en mi particular “Operación Oscars” que obviamente consiste en ver todas las películas nominadas antes de la ceremonia.

Me encantó la película, me sorprendió muy gratamente con el añadido de que lo hizo pese a reafirmarse mi mal rollo respecto a la actitud de la protagonista en muchos casos. Uno pedía en voz baja que la niñita del comienzo no creciera para convertirse en una pedante modernilla, cosa que acaba pasando. Pero es tan interesante lo que vive esa persona y está contado tan maravillosamente que por momentos me olvidaba de lo especial que parecía creerse.

Claramente en “Persépolis” se apuesta por el contenido  más que por el continente, no hace falta decir que no es “Ratatouille” (para mí mejor en ambas facetas), pero lejos de lo que yo esperaba la animación no ha quedado reducida a un simple vehículo de expresión. Las técnicas utilizadas son clásicas, tan simples como eficaces, pero lo que da un brillo especial es lo original de las transiciones y la comunión perfecta entre mensaje e imagen, alcanzando altísimas cotas poéticas a la par que duras como en la persecución a contraluz por las azoteas.

Para quien no sepa de qué va la historia es sencilla; una niña Iraní vive en Teherán la esperanza por la muerte del Sha y la desilusión por lo que viene después. Desde bien pequeña demuestra que no quiere ser una más en ese paisaje represivo y pone en compromisos a su familia y conocidos cuando no puede callarse. La envían a Viena, donde descubre cosas como el amor, las drogas y tantas cosas, vuelve a Teherán para ver que allí todo sigue jodido y termina yéndose por segunda y a priori última vez, esta vez a Francia, que es donde vive actualmente y desde donde cuenta su historia la directora-protagonista.

Como ya he dicho puede que me falle la protagonista y mi falta de empatía influya negativamente; quizá si hubiera conectado más con ella sus vivencias me habrían cautivado más profundamente. En cualquier caso es una película tan bella como necesaria y no estaría de más que la vean muchos niños y no tan niños para entender que sus “problemones” y sus “luchas” puede que sean ridículas al lado de lo que vive mucha gente no tan lejos de nosotros.

Para mía ha supuesto una cura de humildad, a quien no le sirva para eso al menos pasará noventa minutos bellos y comprometidos, algo que no estamos como para rechazar.

Juno pertenece al primer grupo con matices; no es un mal guión en so conjunto, incluso tiene la gran virtud de tratar el tema que trata con la frescura que lo hace. Lo que le pasa al guión de esa nueva superguionista güay del paraguay (a lo mejor lo es, pero lo tiene que demostrar. Démosle tiempo) que se hace llamar Diablo Cody (en fin) es que lo que más se comenta sobre él es lo que más me patina a mí: los diálogos. Me explico.

La mayoría de los diálogos son buenos, diría de algunos que son hasta maravillosos, sobretodo los que salen de la boca de la prota que da nombre a la película. El fallo es que son tan redondos que en ocasiones suenan falsos, no me creo que los personajes digan las cosas que dicen porque la guionista quiere quedar por encima de ellos, lo cuál es un error seas quien seas, más aún si aún no eres nadie.

La película me ha encantado, es probablemente la que más me gusta de las nominadas a los Oscars que he visto hasta ahora (en el fondo ojalá no sea así por mucho tiempo, ya que espero de rodillas "There Will be blood"), pero si la señorita Cody no hubiera querido ser tan super me habría gustado más.

Juno es una chica de 16 años que en un desliz queda embarazada de un chico de su instituto que ni siquiera es su novio oficial. Su primer impulso es el aborto pero finalmente decide tener al niño y darlo en adopción. Encuentra a un encantador y joven matrimonio dispuesto a acoger al niño. Lo que sigue son los 9 meses de embarazo y todo lo que pasa en ellos. No digo más.

Los personajes están en general bien dibujados, aunque no falta el cliché con patas de la amiga locuela. El padre de Juno es un tipo sencillo y sabio que cae bien desde el primer momento; la madrastra de Juno en un principio es víctima de su rol y es inevitable no empalizar con ella, pero con su intervención en la escena de la ecografía todos cambiamos de opinión; la mujer del matrimonio que quiere adoptar sueña con ser madre y eso es lo que le mueve, por encima de cualquier cosa, por lo que puede parecer que para ella Juno sólo vale lo que lleva dentro; el marido es el tipo agradable, el enrollao, el que conecta con Juno y la valora por encima de lo que significa para su futuro; el culpable del embarazo es un chaval peculiar, una especie de Napoleón Dynamite del que uno nunca sabe qué esperar, si es que hay que esperar algo.

Pero el personaje más atractivo y el que cautiva desde su aparición es de Juno, todo peses a esas frases tan cojonudas que se le hacen soltar a menudo. Yo diría que la causa principal del brillo del personaje es el trabajo de Ellen Page, una actriz tan brutalmente fotogénica, carismática y natural que uno no puede resistirse. Su trabajo en esta película me recuerda en cierto modo al de Natalie Portman, esperemos que Ellen Page consiga una carrera al menos tan exitosa como la de Portman, aunque me da que la va a mejorar.

Aunque la protagonista sea la que se come la pantalla en cada toma, el resto del reparto no desmerece. Bueno, creo que si en vez de Jennifer Garner hubiera estado otra no habríamos perdido gran cosa, pero tampoco molesta.

Siempre es agradable ver una película como Juno, una de esas que terminas con una sonrisa en la boca, y eso siempre es algo que hay que valorar.

Si usas Firefox pincha aquí para ver el trailer

La película "Before the devil know you're dead" me ha hecho pasar uno de los mejores ratos ante una pantalla de los últimos años y sí, se lo debo agradecer a Lumet y Seymour Hoffman entre otros, pero gran parte de mi gratitud va para ese bombón que sigue siendo y esa buena actriz que ya es Marisa Tomei.

El otro día me pasó lo mismo, escogí al azar una película que ver una madrugada que mi chica ya estaba sobando. Yo bajo muchas películas por haber leído algo sobre ellas, porque alguien me la comenta…no recordaba por qué bajé “The man of earth” pero el caso que fue la agraciada.

Los títulos de crédito iniciales, con ese aspecto tan de telefilm, esos colorcillos con olorcillo a porno americano…pero era tarde y ya estaba en el sofá tapado y con la postura cogida, así que le di una oportunidad; además salía Candyman y el de “El gran héroe americano”.

El 98% de la película transcurre en el salón de una casa, casi sin muebles, unos 10 actores en total y ya está. Pero hay películas con cientos de actores, localizaciones de la hostia, explosiones, efectos…que no tienen lo que tiene esta: un guión interesantísimo.

Es justo decir que la historia podría haber dado lugar a una película mejor, que hay detalles que pueden resultar ridículos, y no tienen nada que ver con el presupuesto. De hecho no se echa nada de menos respecto a medios, si acaso cámaras algo mejores, pero no importa tampoco demasiado.

Resumiendo el argumento vemos a un grupo de maestros que acuden a despedirse de un compañero que se muda. Le reprochan al llegar que se fuera sin despedirse, él se disculpa y les invita a entrar mientras carga unas cajas en su camioneta.

El profesor que se va, Oldman (detalle que me huele a aficionadillo), saca una botella de Jack Daniels verde (caro, caro). Se ponen a preguntarle la causa de su repentina marcha, preocupados, intrigados. En esas están cuando les suelta que realmente nunca permanece más de diez años en el mismo sitio para que la gente no empiece a preguntarse por qué no envejece, y es que resulta que tiene 14.000 años, que es un Cromagnon.

Evidentemente todos ríen y se toman aquello como un juego y empiezan a preguntarle, ya que hay historiadores, biólogos,…y le bombardean con preguntas que él responde sin titubeos, lo que les va picando.

No puedo contar más porque hay detalles muy buenos y las preguntas que le hacen son las que muchos querríamos hacerle a alguien así. Sí quiero decir que el final  es lo que menos me ha convencido, concretamente una de las cosas que pasan al final.

Mas allá de sus cualidades técnicas, de su valor cinematográfico, “The man of earth” tiene una virtud innegable que echo de menos en el panorama actual, y es que invita a preguntar, a buscarse respuestas, a pensar, a debatir…a ver si alguien que la haya visto me lo dice y la comentamos.

La recomiendo  y diría que por el emule, ya que no apostaría gran cosa por su estreno en España, por lo menos en cines. Además no creo que a sus responsables les moleste gran cosa, ya que lo primero que hizo el productor al terminarla fue colgarla en las redes p2p, y gracias a eso una película condenada a una distribución muy limitada dentro de USA y al posterior olvido está siendo todo un fenómeno, una película de culto que mucha gente quiere ver. El productor ha agradecido a los internautas que hayan compartido la película y ha asegurado que la siguiente que haga se estrenará primero en internet como señal de reconocimiento.

Saludos.

En estas dos semanas no he hecho gran cosa aparte de leerme un libro sobre las consecuencias de 11-S y 11-M (los que conocen mi otro blog habrán visto el título), algunas revistas y pare usted de contar. El resto del tiempo no lo he dedicado a nada productivo, y eso que la mayor parte ha sido en el curro. Aún tengo pendiente terminar las revistas del mes y empezar un libro de fantasmas con la esperanza de que me guste y lo pueda terminar antes del día 27, que cumple el plazo de la biblioteca. Son nueve días para un libro, sí, pero visto como anda mi cabeza  no lo veo sencillo.

Hace muy poco se cumplían muchos años, exactamente 237, del nacimiento de Ludwig Van Beethoven, y como no soy especialista en  su vida y obra quiero recordarlo hablando de otra película más para el saco de las que mas miedo me han dado. Por ahora no se parecen mucho entre ellas, por suerte.

Si le pides a algún aficionado al cine que nombre una película relacionada con Beethoven muchos contestarán “La naranja mecánica” , del maestro Kubrick.

Muchos dirán que no es una película de terror, y si somos estrictos es cierto que no es una película de género pero a la hora de recordar estas películas hablo de lo que me ha dado miedo a mí, y es algo muy subjetivo, no me ciño a ningún tipo de clasificación, es mi estómago el que me las recuerda.

Leí la novela de Burgess después de haber visto la película varias veces y creo que es una buena adaptación, aunque Burgess no pensaba lo mismo, sobretodo se quejaba de que no se incluyera el epílogo del libro, al que daba gran importancia seguramente no sin razón, pero cierto es que el final de la película es tan genial que yo perdono la omisión.

“La naranja mecánica” me da miedo porque creo que es una historia adelantada a su época y lo que ahí parece algo fantástico hoy no lo es tanto. Podríamos hablar de la pérdida de ciertos valores, de una juventud embrutecida y sin los roles sociales asimilados,…el análisis de la historia podría llenar varios libros si analizamos el panorama actual.

Lo primero que me asusta de la película, más ahora que antes, es la palabra “ultraviolencia”, me parece un término poderoso en sonoridad y significado y no puedo evitar que me perturbe. La ultraviolencia es real y tiene algo que atrapa a mucha gente, más fácilmente a personas sin la personalidad formada o atrofiada, como los dos chavales de “Funny Games”, la última película que comenté. La ultraviolencia me hace pensar en Columbine, el tiroteo de hace unos días en un centro comercial en USA, el chaval que colgó en youtube sus mensajes antes de liarse a tiros en el instituto…me hace pensar en alguien que mata sin sentir nada, ni siquiera odio, en humanoides que disparan y de los que no se puede esperar nada, con los que no hay esperanza. La ultraviolencia es para mí alguien que te apunta con un arma y que tiene los ojos muertos, por eso sabes que no hay escapatoria.

La película descansa en cuatro pilares sólidos: la historia, la dirección, el  protagonista y la música.

De la historia ya he hablado, su aterradora clarividencia permite que siga manteniendo su fuerza.

La dirección de Kubrick hace que uno no se imagine otro director adaptando la novela. La apuesta por la estética de la película no es imaginable en otros directores, una apuesta que sigue siendo rentable con camisetas, muñecos, posters y demás que mantienen vigentes iconos de la película como las pestañas postizas de Alex, el primoroso plano en el túnel, el gigantesco falo de cerámica o Alex y su casco, sus ojos desorbitados… son tantas las imágenes de la película que perduran que es innegable la visión de Kubrick, su pasmosa habilidad para generar iconos.

La interpretación de Malcolm McDowell es de esas que repercuten en la carrera de una actor para bien y para mal, y si bien seguramente sin este papel McDowell no habría sido “Calígula” el caso es que no ha tenido la carrera que seguramente habría merecido su talento, y es que un personaje como Alex tiene que marcar y cuando un actor se funde de esa manera con su trabajo puede pasar que no se le llame para hacer otra cosa.

Lo primero que nos muestra la cámara es un primer plano de Alex, la cámara se aleja  hasta que vemos dónde está y con quién, mientras él lo explica en off.. Para mantener ese plano como lo hace McDowell hay que saber actuar, y tanto que hace falta.

Es de una importancia capital la pasión de Alex por Beethoven por varias razones. Es una forma de que mantengamos un lazo con Alex, un resquicio por el que ver algo humano, porque un monstruo no puede gozar con la música, aunque sea la de Ludwig.

En contra de la opinión de muchos puristas me parece un acierto el trabajo de Wendy Carlos con su particular interpretación de varias piezas del genial sordo. Eso sí, la música original que escucha Alex antes de acostarse la primera vez que vemos su habitación es uno de los mejores momentos de la película.

Podría decir muchas cosas más sobre esta obra maestra, son muchas las virtudes, entre ellas que desde que la ves “Singing in the rain” ya no te recuerda sólo a Gene Kelly bailando con el paraguas.

Uno puede pasar miedo del que mola, ese gustillo cuando das un respingo cuando aparece el monstruo, ese cosquilleo cuando el fantasma asoma al final del pasillo…cuando realmente no tememos lo que vemos en la pantalla nos estamos entregando a un juego en el que gozamos asustándonos, realmente no lo pasamos mal.

Pero hay otro miedo que uno puede experimentar al ver una película, una sensación que se suele dar muy raramente y que cuando aparece marca la diferencia. Es el miedo a que te pase lo que estás viendo, cuando te pones en el lugar de los personajes y esa empatía te pone la piel de gallina. Eso es miedo de verdad, del que te da dolor de estómago, del que te hace pensar y te incomoda.

La película con la que mas miedo real he pasado es “Funny Games”, de Michael Haneke, las dos veces que la que visto las he pasado putas.

Realmente no se ve nada, como mucho una mancha de sangre, y la historia no es nada complicada, es en su sencillez donde reside en parte su poder. La sencillez con la que puede pasar algo así, a cualquiera.

Básicamente la historia es que una pareja llega a su casita al lado de un lago con su hijo para pasar unos días de relax. Ya en el coche van escuchando música clásica y hablando de jugar al golf, navegar y todo eso.

Llegando a la casa paran un momento a la entrada de sus vecinos, ya que ven al marido de uno de ellos frente a la casa acompañado de dos chicos. Se saludan y siguen su camino.

Se instalan y la mujer ordena la cocina mientras el marido y su hijo se van a acondicionar la barca que tienen en el lago. Aparece uno de los chicos pidiendo unos huevos para su vecina…algo tan normal se va complicando y aparece el otro chico. Pese a que todo sigue pareciendo normal hay detalles que te inquietan, como el hecho de que los dos chicos llevan guantes, unos guantes blancos.

Después de que la situación se vaya volviendo más y más violenta la pareja y el niño se ven secuestrados en su propia casa por los dos chicos, que se toman todo como un juego que parece divertirles mucho, siempre sin perder una corrección que hace más insoportable todavía el panorama.

Como decía, la razón principal de que “Funny Games” sea tan aterradora es que algo así puede pasar, y realmente pasa, unido a que aquí los malos son seres humanos, dos jovencitos encantadores que no harían sospechar a nadie, no en vano en eso se basan para hacer lo que hacen sin ningún problema, y que nos escupen a la cara nuestra ingenuidad, dejando ver que realmente son dos seres amorales, sin corazón, sin sentimientos, que realmente ni disfrutan, hacen lo que hacen porque sí, sin necesidad de una razón.

Los planos fijos siempre enseñando lo que tiene que enseñar, o no enseñando lo que no tiene que enseñar, son en ocasiones eternos, lo que nos hace removernos en el asiento de pura desesperación, mirando de reojo el mando a distancia (hablando de mando, tiene una importancia capital en lo que personalmente pienso es la puntilla que nos da Haneke, la suma crueldad).

Ayudan las interpretaciones de todos, los dos jóvenes y los tres integrantes de la familia, sin necesidad de destacar a ninguno, solamente recordar a Ulrich Mühe, que encarna al padre, recientemente fallecido y que goza de un enorme prestigio en Alemania y a raíz de su trabajo en “La vida de los otros” también reconocido mundialmente, lástima que fuera tan tarde.

No sé si recomendar “Funny Games” porque realmente se pasa mal, pero creo que es una obra maestra y eso es lo que importa. Además Haneke acaba de filmar el remake, algo extraño porque parece ser que ha querido repetirla plano por plano cambiando el reparto (ahora la pareja está formada por los conocidos Tim Roth y Naomi Watts y uno de los chicos es el siempre interesante Michael Pitt). Servidor siente verdadera curiosidad por ver este autoremake pero por si las moscas recomiendo el original antes de verlo.

Hablando de prestigio muchos coincidiremos en unos pocos nombres, y uno de los más repetidos será Martin Scorsese, que ha sido el elegido y el que ha aceptado el reto.

Sobre el video que ha elaborado, en el que explica lo que pretende hacer con este spot, lo muestra y vuelve a comentarlo al terminar de verlo, solamente dos peros: no entiendo por qué somos tan paletos y doblamos al tito Marty y no le dejamos hablar con esa voz tan característica y ponemos unos subtítulos, si no ya en la TV porque eso sería un suicidio, por desgracia, por lo menos en alguna versión por la red. El otro pero es que el spot en sí puede ser algo largo y la pena es que se emitirá muy poco entero para pasar a cercenarlo, quitando mucha de la magia que destila.

Aquí os pongo el corto entero, a disfrutarlo.

Grandes directores han hecho maravillas  con medios escasos y han naufragado con millones para gastar; incluso cuando han mantenido un buen nivel sus mejores trabajos son los primeros, los más humildes.

Wes Craven parió dos obras de culto con cuatro duros: Las colinas tienen ojos (el remake reciente de Alexandre Ajá me parece mejor, pero es que el francés es un caso aparte que marcará una época en el género) y La última casa a la izquierda (cualquier remake de ésta está condenado al ridículo, si se mejora técnicamente se muere).

Tobe Hooper nos regaló La matanza de Texas con los medios justos para pasar el día, quizá con ello contribuyendo al ambiente malsano e incómodo que caracteriza a la historia.

Romero se rodeó de amigos y familiares para rodar La noche de los muertos vivientes y creo una nueva rama en el árbol del terror que ha dado lugar a varias joyitas, entre ellas otra del mismo director: Zombie.

Hay muchos ejemplos más, y los tres que he dado son nombres que viven en el cajón de los recuerdos, desconocidos para las nuevas generaciones. Bien es cierto que Craven levanta la cabeza de vez en cuando, y cuando lo hace es para marcar estilo, como con la saga de Elm Street o la de Scream, pero actualmente presta su nombre a cosas infumables e incluso sus dos franquicias carecen de la realidad sofocante de sus dos obras más baratas.

El ejemplo del que quería hablar es el de Sam Raimi, hoy conocido por la trilogía de Spiderman, que los fans dicen que es genial pero que a mí me resbala, y autor de esa cosa de Kevin Costner sobre una estrella del baseball que se enamora de Kelly Prescott, esposa de Travolta.

Pues éste Raimi millonario tan bien considerado para las superproducciones se juntó a principios de los 80 con sus compañeros de clase y nos dio una de las opera prima más magistrales de la historia del cine de miedo, hablo de Evil Dead, traducido como Posesión infernal por estas tierras.

Evil Dead es una cosa curiosa porque te hace reír y te acojona porque tiene imágenes espeluznantes que se te pueden quedar grabadas si la ves en la tierna infancia, como fue mi caso.

La historia es simple: Cinco jóvenes (dos parejas y la típica amiga solterona aguafiestas) llegan a una cabaña en un bosque a pasar unos días, allí encuentran un extraño libro y un magnetófono en el que un viejo profesor que habitaba en esa casa cuenta cómo encontró el libro en unas excavaciones, que era el "Necronomicón" (Obra demoniaca escrita por un árabe loco fabricada con pie y sangre humanas que se sacó de la chistera H.P.Lovecraft y que algunos tintines siguen buscando) y que contenía una invocación para despertar a los demonios. Con el cachondeo uno de los chicos lee la invocación en alto y la cosa se pone feilla y va empeorando rápidamente.

Incluso el argumento en sí es atractivo pese a su poca originalidad, pero las virtudes de la película van más allá de lo que cuentan, brillan en el cómo más que en el qué.

Raimi es un fan confeso de los cartoons tipo correcaminos, bugs bunny y todos esos y usa la cámara y el sonido para rendirles un homenaje que contrasta con la crueldad de la historia.

Los encuadres , zooms y movimientos vertiginosos acompañados de los efectos sonoros son animación clásica Warner de la más gamberra, con el detalle de que todo es de carne y hueso, con lo difícil que es adaptar el lenguaje cartoon al cine de imagen real. Para que eso fuera posible es fundamental el protagonismo de un personaje de culto, Bruce Campbell.

Campbell era amigo de Raimi y desde su interpretación perfecta de Ash (más apabullante en la secuela y lo único reseñable de la tercera y última parte) su cara levanta aplausos sea donde sea (el final de Darkman no tiene nada que ver con el resto del film, es una acera de New York llena de transeúntes y Bruce Campbell  que se gira y mira a cámara por un instante. Eso provocaba los vítores que no había conseguido la película). Si bien no se ha extendido demasiado en el cine, y no por falta de ofertas, y se ha centrado más en la televisión, es altamente recomendable su trabajo en esa rareza para recuperar llamada Bubba Ho-Tep, que hay que conseguir en internet, ya que es España no existe.

La gestualidad de Campbell y la capacidad para recibir putadas del director le convierten en elemento insustituible para que Evil Dead sea lo que es, junto con el maquillaje tan amateur como efectivo (esos ojos en blanco me despertaron innumerables madrugadas).

Las escenas en las que vemos el bosque desde el punto de vista del mal son una de las señas de identidad de la película y se consiguieron montando la cámara en un carro y acelerando luego la imagen, y es que a eso me venía a referir, a que el hambre agudiza el ingenio, y desde el Lazarillo a Raimi muchos se han dedicado a demostrarlo.

Recomiendo la película a quien no la conozca, y los que sí que la vean con un grupo de amigos con pizzas o cualquier guarrería y prometo una noche divertida.

Si a la velada le añades la segunda parte, Evil Dead II ( en España, traducida como Terroríficamente muertos) mejor que mejor. No es una secuela en realidad, es una nueva versión de la historia de la primera, si en aquella eran cinco aquí son una pareja, Ash y otra chica, a los pocos minutos queda sólo el protagonista, en los que son los mejores minutos de la película, y probablemente de la trilogía, y luego llega otra pareja.

La tercera parte, The army of darkness (El ejército de las tinieblas) ya muestra síntomas de lo mal que sienta a veces el dinero pero sigue teniendo cosas buenas, definitivamente la trilogía en una noche es un buen plan.